★ ARIA SENE Installation culinaire et atelier de confection d’onigiris ★ NICOLAS MAUREAU Exposition de peinture ★ ÉMILIE LABÉDAN Performance de danse in situ l'exposition de Nicolas Maureau ★ MATTHIEU GUILLIN Pièce musicale immersive ★ À boire, à manger, à ringer !

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Et quand il eut dépassé le pont, les fantômes vinrent à sa rencontre : Nosfératu de Friedrich Wilhelm. Murnau

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GENIUS LOCI - L'ESPRIT DES LIEUX, un voyage de Blagnac à Toulouse. La compagnie Maygetsin - Christophe Le Goff a créé entre mars et septembre 2023 une nouvelle version de son travail chorégraphique autour de la performance Genius Loci - L’esprit des lieux.

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« Quand l’ombre de la croisée apparaissait sur les rideaux, il était entre sept heures et huit heures du matin / Couché / J’entendais la montre / Elle était appuyée contre / Je me retrouvais alors dans le temps / Un moineau, coupant le soleil en biais, vint se poser sur le rebord de la fenêtre et me regarda, la tête penchée. / Son œil était rond et brillant. Il me regardait d’abord avec un œil, puis / clac / il me regardait avec l’autre (...) /. L’heure se mit à sonner. (...) On aurait dit qu’il l’écoutait aussi. (...) / Le tic-tac continuait toujours / Je me suis levé / L’ombre n’avait pas tout à fait quitté le perron. / Je me suis arrêté avant de franchir le seuil et j’ai observé la progression de l’ombre. / On pouvait presque la percevoir. Elle rampait vers l’intérieur, faisait reculer l’ombre jusque dans la porte. (Ostinato, répétition rythmique) »

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Lorsque Gina apprend les circonstances de sa venue au monde, ses perceptions changent. Son imaginaire se déploie au moins autant que ses questionnements. Elle grandit et voudrait se défaire peu à peu d’un sentiment d’empêchement. Deux actrices portent sa parole morcelée, intercalée de rêves, qui à la faveur d’une alternance jour / nuit s’apparente à une enquête intime faite de sensations, souvenirs, et une entrée progressive dans les pouvoirs émancipateurs de l’écriture. Une recherche de plateau à la croisée du texte et de la photographie argentique.

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Les étudiant·e·s en deuxième année de DNSP artiste de cirque commencent la rentrée par un stage de clown. Depuis plusieurs années, l’école a développé un partenariat avec l’artiste Caroline Obin qui dirige ce stage.

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Alter est une pièce de cirque introspectif mêlant textes, danse, et équilibres. Au plateau, Charlotte Le May et Verena Schneider reconstituent des extraits d’entretiens avec deux inconnues. Navigant entre les thèmes de la subjectivité, de l’observation, de la relation avec la nature, la pièce trouve son équilibre entre ces philosophies dites de comptoir et les débordements de ces deux corps généreux. Le but est d’exposer cette quête de sens qui nous traverse toutes, dans un contexte circassien.

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« Quand on lui demande ce que le mot racisme signifie pour elle, l'intellectuelle américaine Ruth Gilmore répond que le racisme est l'exposition de certaines populations à une mort prématurée. Cette définition fonctionne aussi pour la domination masculine, la haine de l'homosexualité ou des transgenres, la domination de classe, tous les phénomènes d'oppression sociale et politique. Si l'on considère la politique comme le gouvernement de vivants par d'autres vivants, et l'existence des individus à l'intérieur d'une communauté qu'ils n'ont pas choisie, alors, la politique, c'est la distinction entre des populations à la vie soutenue, encouragée, protégée, et des populations exposées à la mort, à la persécution et au meurtre. » Édouard Louis

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Un regard punk du folklore argentin, une vision féministe du Malambo. Un univers fait de danse, de musique, de mots, d’obscurité, de feu mais aussi de rencontre, de bataille, d’improvisation, de défi, comme celui du malambo.

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À quoi elle pense ? C’est quoi la pensée ? ... un flux intérieur qui nous berce de ses accélérations, de ses amorces, de ses suspensions, de ses hésitations ? Tu te souviendras que j’étais ici nulle part envisage la pensée comme un mouvement permanent et insaisissable. Tu te souviendras que j’étais ici nulle part envisage la pensée comme une danse.

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FAIRE FLEURIR met en présence un danseur, des cailloux, deux musiciens et tout un climat d’ombres et de lumières dans un espace terriblement réduit en hauteur. Assis tout autour de cette caverne de voiles sans parois, le public observe une inclinaison imposée vers le sol. Tout se déroule à une hauteur qui ne permet pas à l’homme de s’ériger sur ces deux jambes, debout. Comme dans un endroit souterrain, dans un lieu reclus, secret ou inaccessible, quelques humains se lient à la recherche d’un corps capable de tenir à quatre pattes.

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Se retrouver dans un état d’extrême secousse, éclaircie d’irréalité, avec dans un coin de soi-même des morceaux du monde réel. Antonin Artaud – L’Ombilic des limbes La lecture des textes d’Henri Michaux, L’Infini turbulent et Connaissance par les gouffres est à l’origine de ce projet. Les expériences menées par Michaux autour de substances psychotropes interrogent notre perception de la réalité et notre capacité à nous en satisfaire.

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Une femme chuchote à notre oreille sa porosité avec le monde animal, sa réalité trouble entre les deux mondes. Plongés dans un intense univers sonore, nous voyageons avec elle dans la nuit de la forêt, remplie de présences invisibles, un bestiaire sans nom. Sommes-nous capables de nous glisser dans la peau d’autres êtres vivants ? D’observer la beauté du monde ? Quelles sont cette vitalité et cette joie d’être en vie qu’elle essaie de saisir ? Quelle sauvagerie interroge-t-elle vraiment ? Et si c’était celle d’une époque sur le point de non-retour ? Comment vivre avec la perte ?

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Inspirée du récit Walden ou la vie dans les bois d’Henry David Thoreau, Walden Voices est une œuvre mixte pour deux voix de femmes et dispositif électroacoustique. Fruit du projet musical pédagogique L’Odyssée Walden, cette œuvre est une commande de l’Etat passée au compositeur Guillaume Hermen, accueilli en résidence en 2021-2022 par Les éléments, Centre d’Art Vocal Occitanie.

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Pendant les décennies d’une très riche production artistique, Ghédalia TAZARTÈS a incarné un ailleurs de la création musicale, poétique, vocale, empruntant ses figures à la poésie sonore, à la chanson, aux modalités de la musique concrète ou à différentes traditions musicales dont il se réapproprie ou recrée des idiomes. Un hommage à ce créateur singulier sera enchâssé dans les portraits de deux personnalités musicales de premier plan : Agnès POISSON et Stéphane BORREL, et celui de deux jeunes compositeurs issus de la classe de composition électroacoustique du CRR de Toulouse : Élise BONIFAS et Ozan Can YILMAZ. Élèves en composition électroacoustique du CRR de Toulouse.

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« Attaque numérique / danse de rue des années 80 / personnage de bande dessinée / blogbuster à la Tim Burton... smurf_attack inspire et travaille l’imaginaire, il rassemble des communs et donne le ton d’un assemblage séduisant, ludique qui interroge l’absurde, la contrainte, l’autonomie, la liberté. Ici, art et science s’harmonisent, se confrontent, se percutent. Non sens « poético- numérique », sorte d’opposition qui résonne, qui fait se rencontrer charnel et technologie, intuition et théorie, atharaxie et émotion. Par une adresse spécifique aux publics, au jeune public, aux artistes, smurf_attack est un défi pour chacun de trouver un libre arbitre face aux injonctions d’une IA tout en respectant les lois que le projet chorégraphique impose. »

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« 1 cérémonie spectacle en forme de sitcom Que le ciel nous tombe sur la tête, c’est une épopée lyrique théâtre·danse sur le thème de la cérémonie avec des personnages de sitcom bercés par la musique pop poétique du groupe Château Forte. Le récit se noue dans le cadre d’une cérémonie un peu spéciale qui ne se passe pas comme prévu dans un univers futuriste où une communauté de nomniné.es tentent de maintenir les codes séculaires et réaliser le rituel devant le public qui joue son propre rôle. Cette forme convoque l’imaginaire en tentant de traduire des subjectivités et visions intimes par le biais de la transdisciplinarité (théâtre·danse·musique). Que le ciel nous tombe sur la tête se joue en deux versions : l’une est immersive avec musique live dans un dispositif à 360° en salle modulable ; l’autre est sous forme de kit spectacle pour des salles frontales avec une plus petite distribution et la bande son du groupe. Chaque version du spectacle présente des regards différents grâce à une distribution tournante des personnages et une part manifeste de jeu improvisé. Ainsi chaque représentation dévoile de nouveaux secrets. »

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« Avec de nouveaux projets, LA CAVALE explore la relation si particulière que musique et danse entretiennent. Le chorégraphe Eric Fessenmeyer articulent ses INTERVALLES autour de trois formes courtes, trois duos composés d'un·e danseur·euse et d'un·e musicien·ne qui, dans la recherche d'un équilibre, investissent des aires de jeu où gestes et sons cherchent leurs échos, une connexion singulière. Ni concerts, ni pièces chorégraphiques, les deux à la fois, simplement trois intervalles pour la constitution d'un langage vivant, où l'on donne à voir la musique, à entendre la danse, où chacun·e peut simplement faire l'expérience de ses perceptions sensorielles, et de sa sensibilité. Ce sont la musicienne Nelly Mousset et le danseur Camilo Sarasa Molina qui composeront ce troisième Intervalle »

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Performer japonais basé à Vienne, Michikazu Matsune s’empare de lettres d’adieu et sonde les méandres de l’au revoir. Alliant lecture et danse, Goodbye raconte des histoires de relations personnelles, d’amour et de complication, lues entre les lignes.

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À table, Marcello est une comédie, qui est née d’une écriture collective féministe, joyeuse, irrévérencieuse et pluri-forme. Elle est à destination d’un public attablé, à qui l’on sert deux (trois) verres de vin et son accompagnement. Elle a été imaginée pour des lieux non-dédiés et s’inscrit dans une forme de représentation atypique. A table, Marcello parle de la répartition des tâches ménagères au sein d’un couple. Mais pas que. A table, Marcello interroge le système qui distribue des rôles préfabriqués à chacun. Mais pas que. A table, Marcello suit le destin de deux soeurs dans l’été 1987; utilise nos vies comme instrument d’auto-fiction; organise une fausse enquête INSEE; creuse la piste de l’éco-féminisme et dénonce Lactalis. Mais pas que. Il y aura aussi un blind-test et des lots à gagner, de l’autodérision, un accouchement dans la forêt, un cadavre d’homme dans un sac poubelle, une comédie musicale révolutionnaire.

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« Batteur et doublette à platines, c’est le line-up de ce trio. Grand aventurier de la scène japonaise, fondateur du mythique Ground Zero, Ōtomo Yoshihide est une pièce maîtresse de l’échiquier de la musique noise mondiale, à l’aise dans la litanie électronique comme dans le compagnonnage de la pop US ou de l’impro tranchée. Sa musique hyper inventive empile avec fracas chaque plan de matière sur les autres. La musique d’Emilie Škrijelj et Tom Malmendier, elle, est pleine d’îlots rêveurs, de nervures et de textures, d’enchaînements et de contradictions joyeuses. Un DJ set pour tourne-disques contemporains où transite une noise très libre, fabriquée à la main, avec une dextérité impressionnante dans ses capacités d’inventions comme dans son entêtement à manier l’humour comme d’autres manient le bâton. Un trio pour faire avancer les choses, vers leur musique et ses abstractions concrètes, électroniques, frappées, évocatrices, radicales et furieusement imagées. »

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« Les Fantômes vous ouvrent leur espace pour une soirée de partage, en collaboration avec Le RING - scène périphérique ! Dès 19H, venez prendre un verre, découvrir un extrait de la pièce Fantômes et voir la restitution des 3 jours de laboratoire chorégraphique mené au RING, par Quelen Lamouroux, Nelson Martinez et Vladimir Rodriguez de la Compagnie Qalis »

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« Hairy est une pièce chorégraphique pour 4 danseurs et leurs cheveux. Les cheveux sont l’une des rares parties du corps humain (à côté des seins féminins et des organes génitaux masculins) que l’on ne peut pas bouger volontairement et directement. Bien que nous puissions bouger nos bras ou nos jambes et isoler ces mouvements du reste du corps, nous n’avons pas un tel contrôle musculo-squelettique des cheveux. La seule façon de créer un mouvement des cheveux est de bouger une autre partie du corps qui, par l’élan, transmet le mouvement à nos cheveux. Cela signifie également que nous n’avons aucun contrôle sur le fait de ne pas bouger nos cheveux lorsque nous bougeons une partie du corps qui y est directement attachée. La chorégraphie et la danse, d’autre part, peuvent être considérées comme un art de (auto-)contrôle physique. La maîtrise habile des mouvements du corps est le but de toutes les techniques de danse. C’est pourquoi la chorégraphie pour les cheveux a une tension dramatique inhérente en soi – elle soulève une question: comment contrôler l’incontrôlable. Cette tension est le point de départ de Hairy. »

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Marion Muzac pour la danse et David Haudrechy, du groupe de musique Sables Noirs, proposent à de jeunes artistes : danseur·se·s, musicien·ne·s,plasticien·ne·s, de traverser les principes d’écriture de la pièce BLITZ.

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« Entrelacer les territoires en tant qu'espaces imaginaires, où les sons, les pratiques, les « héritages culturels » et l'environnement résonneront, se déplaceront et créeront des compositions sonores. Créer un espace où les pratiques humaines des musicien·ne·s et des artistes embrasseront les acoustiques des lieux et leurs comportements sonores distinctifs. Comment apprendre à lire entre les lignes des espaces, des temps et des symboles ?
Entre les lignes est un projet en deux temps, sur deux territoires et avec six musicien·ne·s et artistes sonores. Dans un premier temps, l’oreille va se porter vers une région du sud-ouest de la France, l’Occitanie. Un temps de rencontre, de recherche et de création est proposé aux artistes afin de travailler dans les paysages de la ville de Rabastens autour des influences culturelles occitanes. Dans un second temps, les créations qui ont été produites en Occitanie seront retravaillés dans un territoire autre, Berlin et l’ église désacralisée de Galiläakirche. »

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« Mais c’est Glenn Gould ? » demande une vieille dame toute ridée. » « Maintenant n’écrivez que des notes. Les gens se fichent des textes de théâtre. Les spectateurs cherchent coûte que coûte à échapper aux mots, Engouffrez-vous dans la brèche bon sang ! Accord de septième diminué à la main droite, fa dièse mineur basse, do dièse, ré majeur basse, ré, allez, allez, on avance. »

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« En bouquet, les timbres des voix fuguent de visages en visages, la composition fuit et les bouches tentent d'en rattraper les harmoniques. Avec Léo Ahumada, Pedro De Albuquerque, elso dewever stragiotti, Louna Faure, Pierre-cassandre Gilles, Yuliia Kazhuk, Lou Magnan, Antoine Pascal-Bonhoure et Margaux Sahut. Dans le cadre de la résidence croisée entre le centre d'art Le Lait et le GMEA, Centre National de Création Musicale d'Albi, Anna Holveck a monté un laboratoire de performance avec une dizaine d'étudiant·es de l'isdaT. Ce laboratoire se pense comme un atelier collectif de pratique et de mise en partage, où chacun·e peut expérimenter des formes performatives et sonores à partir de la multitude des corps et des voix en présence. Sur la scène du RING, Anna Holveck montre sa nouvelle performance Fugues créée à partir des expérimentations qu'elle a menées avec le groupe du laboratoire, autour de l'unicité du rapport qu’entretient chaque corps à chaque voix. Dans l’année 2023/2024, les quatre sessions intensives du laboratoire, de trois demi-journées chacune, se sont tenues dans des lieux partenaires à Toulouse : le Vent des Signes du 27 au 29 novembre 2023, le Théâtre de la Cité du 5 au 7 février et du 25 au 27 mars 2024 et le RING - Scène périphérique, du 22 au 24 avril 2024. Partenariats : centre d'art Le Lait, GMEA, isdaT, Vent des Signes, ThéâtredelaCité – CDN Toulouse Occitanie. »

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Le Théâtre 2 l'Acte est heureux de vous inviter à la présentation du travail de fin de la session 23/24 de la formation « Acteur au Présent »

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« « NAQS » veut dire « ce qui manque » en arabe. Les mots d’une langue maternelle qui manquent à notre langage, à notre voix, à notre corps, qui d’une absence de maitrise fabrique quelque chose d’intime qui nous appartient. Outil de création, qui nous constitue et qui nous lie aux autres d’une manière particulière et riche. Nait alors une recherche d'un nouveau language, le notre seul qui se meut dans l’histoire des autres. Nous voulons sonder les effets émotionnels, corporels, mémoriels de ces langages aux « cultures-langues » tronquées, aux « cultures-langues » enrichies. Qu'est ce que le corps retient de ces vides de transmission? Comment la voix a reçu, formé, déformé cette langue? » Comment le corps et la voix jouissent, se déposent, s'expriment par ce manque? »

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Le fantôme a toujours quelque chose à demander aux vivants. Il est porteur d’un message.

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« Le solo NATURES prend comme point de départ les métamorphoses racontées par Nina MacLaughlin dans Sirène, Debout. Ovide rechanté. Dans cet ouvrage, l’autrice interprète certaines des métamorphoses écrites par Ovide en prenant le point de vue des personnages féminins. Les transformations sont totales ou partielles et de différentes natures: d’humain à humain, d'humain à animal, végétal, minéral, élément, divinité… La recherche démarre par la composition d’une série de portraits des personnages féminins d’origine pour ensuite explorer physiquement les processus de transformation: rotation, tremblement, rigidification… et enfin la manière dont apparaissent de nouvelles figures. Les enjeux portent sur la continuité entre les différentes formes et personnages, la rencontre des espaces du mythe et de la réalité, et la puissance de la parole féminine dans la mémoire de ces histoires. »

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SOIR PÉRIPHÉRIQUE #4 SUR LE FIL | PARTIE 1 (gratuit) : COMPAGNIE LA TENEUR | PARTIE 2 (payant) : COMPAGNIE ÉPONYME + MAFALDA HIGH

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SOIR PÉRIPHÉRIQUE #4 SUR LE FIL | PARTIE 1 (gratuit) : COMPAGNIE LA TENEUR | PARTIE 2 (payant) : COMPAGNIE ÉPONYME + MAFALDA HIGH

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KOMUN est une création hybride tissée autour de la danse et du théâtre qui contribue à l'art de la relation. Elle témoigne de rêves et de bonheurs, de blessures et de crises, et cherche à tendre un miroir à nos splendeurs et misères conjugales. À travers les décalages et les dérapages des deux personnages, on explore le tragique et le magique de la relation humaine. A la croisée de l’ordinaire et de l’extraordinaire, du réel et de l’onirique, cette pièce dialogue dans cet ENTRE DEUX et entre nous deux, espace qui sépare et répare, s'entrechoque et se caresse.

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« Dans la pièce il y a l'enfant, il ne s'éveille pas au drame, son espace est intouché Nul ne pénètre l'espace sacré de l'enfant qui dort et veille, les personnages silencieux de la pièce ne pourront pénétrer l'espace de l'enfant »

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« On est trop heureux·se·s de vous annoncer que la dernière soirée de l’année sera au RING - scène périphérique le 28 juin avec une prog incroyable ! »

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Une jeune-femme se sépare de son ombre. Sans cesse traquée par son reflet sombre, elle étouffe. Un jour elle brise le lien avec ce double encombrant. Into your eyes my face remains est une tragédie multidimensionnelle en 4 actes, un tour de passe passe sensoriel pour éclairer et caresser les fantômes qui nous accompagnent et nous constituent.

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Karen et Vera, c’est un spectacle de danse-théâtre sur comptoir Karen et Vera c’est l’histoire de Vera, créatrice de mode et de Karen futur mannequin Karen et Vera c’est l’histoire d’une histoire d’amour passionnelle et toxique entre deux femmes Karen et Vera c’est aussi l’histoire de Marlène, l’assistante de Vera dont elle est secrètement amoureuse Karen et Vera c’est les Feux de l’Amour, c’est Amour Gloire et Beauté, c’est Desperate Housewifes Mais Karen et Vera c’est aussi toutes les figures féminines du cinéma indépendant des années 70, de Pedro Almodovar à John Cassavettes en passant par David Lynch C’est également un hommage aux comédies musicales, aux films qui ont construit la culture queer Karen et Vera c’est toutes nos histoires d’amour maladive et répétitive dont nous avons tant de mal à sortir Karen et Vera c’est aussi l’occasion d’en rire et de s’en moquer Karen et Vera c’est plusieurs couche de fond de teint, et un contouring outrancier Karen et Vera c’est des habits de lumières, glamour et kitsch à la fois Karen et Vera c’est l’occasion de les frotter contre les comptoirs des bars, des salles de théâtres, des salles des fêtes, des cafés culturels et pourquoi pas contre le comptoir votre chez vous

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« Quand tout implose dehors, je me déchire à l’intérieur raconte nos impossibilités, nos impermanences, nos doutes, nos tentatives échouées, notre impuissance face au monde, notre solitude. Choisir d’être seule, subir sa solitude, se sentir seule au milieu du monde, vivre en solitaire… La solitude revêt mille costumes, elle change de forme, s’étend en nous depuis des années, ou nous prend soudainement, par surprise et nous avale. Elle est dans une tasse de café vide et dans les nouvelles du journal radiophonique. Mais cette pièce raconte aussi nos victoires sur nous même, nos joies imparfaites et nos vagabondages au goût d’indépendance. Elles sont dans une chanson qu’on aime, écoutée trop fort, et dans l’acidité sucrée d’un verre de vin, à la fin d’une journée trop longue. »

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D’après l’analyse de Fourrier un bruit blanc est l’ensemble de toutes les fréquences additionnées à un volume égal. Chacune des environ 1400 cordes de pianos sont accordées différemment et harmonisées de façon à avoir une distribution linéaire des fréquences. Ainsi quand les musiciens jouent en même temps tout ou partie du clavier se fait entendre un son « bruité ». Ce dispositif appelle donc à faire une musique pleine harmoniquement. La composition se fait en creux. En enlevant de la matière. Une musique en négatif ou les notes manquantes deviennent aussi importantes que celles qui sont jouées. C’est aussi le moyen de transformer le piano, roi des instruments chromatique, en un instrument de musique « noise ». Les six pianos deviennent un seul instrument le « pianoise » Lors de cette résidence, l’idée est de trouver de nouvelles formes/sonorités, d’apprendre à accorder les pianos, de tester des nouvelles dispositions scéniques et d’enregistrer.

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Sodome ma douce c’est un seul en scène féminin. C’est, plus exactement, le monologue de la seule survivante du massacre de Sodome. « Sodome vous connaissez ce nom » survivante qui, après avoir traversé le temps, figée dans le sel par les assassins de son peuple, revient à la vie et s’adresse au public, témoin de son retour. Il s’agit donc d’un récit, d’un témoignage, d’un conte mais aussi d’une dénonciation, d’une prise à partie, d’une résurrection. Tout cela dans un corps, solitaire, fragile et fort, magique et palpable. Une femme qui reprend vie après un long emprisonnement et transmet au public l’histoire de son peuple et le récit du génocide qui le poussa à l’extinction. C’est aussi la parole de celle qui retrouve, après des siècles de torture, les sensation qui semblaient perdues à jamais, le vent sur la peau, le parfum des fleurs, la chaleur du soleil. Oubliée de tous.tes elle prend à partie le public, mi conteuse mémoire divine mi femme simple qui retrouve l’air et la peau. Concret et lyrisme se rencontrent pour offrir un texte à la fois poétique et percutant, beau et simple, accessible à tous·tes.

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Spectacle de cinéma vivant, structuré en 10 tableaux, architecturé autour du score (ou de l'OST- original soundtrack- ou bande originale de film) et je précise que ce ne sont pas les génériques. L'histoire se situe à la lisière de l'héroïque fantasy, du théâtre Nô, de Shakespeare, et des Marx Brothers.

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« RING t'invite à sa fête d'ouverture ! Présentation des ambitions et des saisons du RING - scène périphérique, et du NeufNeuf Festival ! Et performance de Denise Bresciani »

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« RING a expérimenté un nouveau format de soirée : proposer des Soirs Périphériques. Ces soirées sont pensées comme des temps forts, des événements singuliers, des soirées transdisciplinaires et festives, elles permettent d’ouvrir le lieu au public autour de nouvelles propositions.»

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« Le sujet de MONT, c’est le groupe. L’intrigue est intrinsèquement contenue dans les rapports tissés entre les êtres présents. L’histoire racontée traverse plusieurs évènements propres aux vies collectives: la naissance, le désaccord, même un anniversaire. La mise en scène est délibérément plurivoque. Face à la bagarre entremêlée d’éclats de rire, est-ce la violence qui vous fige ou les éclats de voix qui vous font sourire ? La réception sera personnelle, mais l’expérience sera collective. Au plateau, il y a huit personnages qui ne se ressemblent pas. MONT retrace l’histoire de ce groupe, presque famille, et l’expose sous toutes ses coutures. Il s’agit de se rencontrer, de s’apprivoiser, de s’organiser. »

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« Joye écrit, compose, interprète et produit son projet. Son univers hybride est organique, cinématographique et introspectif. À travers sa voix puissante et aérienne, et des productions électroniques évolutives, elle partage ses émotions et affirme sa liberté en tant que femme. 5 singles sont sortis de 2020 à 2022, et son 1er EP "Thelma" est sorti en novembre 2022. Après une année 2023 mouvementée, elle prépare actuellement la sortie de ses prochains singles (automne 24) et un nouveau live solo. »

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« Le solo NATURES prend comme point de départ l’ouvrage de Nina MacLaughlin Sirène, Debout. Ovide rechanté. L’autrice réécrit les métamorphoses d’Ovide à partir du point de vue des personnages féminins. La recherche chorégraphique démarre par la composition de portraits de ces femmes en explorant les notions d’incarnation et les processus de métamorphoses. Entre espace du mythe et réalité, le corps et quelques objets donnent naissance à une forêt de figures humaines, animales, végétales, minérales, divines. »

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« Nous avons commencé à être raté.e.s hyper jeunes, hyper tôt, et dans ce domaine, notre champ de compétences va grandissant. Il était temps d'ouvrir et de partager nos expériences de ratages écologiques, foirages amoureux, échecs picturaux et nos vaines tentatives sportives. Le ratage est notre sujet et notre $**^ùùù$^po... (pardon, erreur de frappe). Nous avons trouvé l'élan (pas l'animal) pile entre l'échec et le rebond, et nous croisons les doigts pour rater ce spectacle à son tour. « C'est quoi être artiste raté ? Nous, on n'a pas eu la bonne idée. On meurt juste avant l'inspiration. L'artiste raté meurt juste avant l'inspiration ». »

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« Soundless est une œuvre composée par Ellen Fullman (Long String Instrument) et Theresa Wong (violoncelle, guitare électrique). Elles explorent de nouveaux territoires d'harmonie, de timbre et de rythme pour créer un espace de connexion, d'empathie et de multiplicité. La pièce combine la résonnance des cordes du Long String Instrument (un instrument inédit de 20 mètres de long), les rythmes créés par le "box bow" et le "shoveler" uniques de Fullman, ainsi que le violoncelle et la guitare électrique qui se transforment en champs sonores dimensionnels grâce à l'amplification à quatre canaux. »

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« La timidité des cimes, c'est l’histoire de deux femmes qui étudient les frontières entre le monde animal et végétal. Elles vivent entourées de végétation dans un espace étrange qui semble à la fois être une serre, une forêt et un laboratoire. Leurs expériences autour de la mémoire et de la résilience du vivant face aux épreuves du temps vont amener leurs propres corps à se métamorphoser. »

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Besoin de changer d’air ? D’ouvrir la porte ? D’exploser les murs ? Sautez dans « Champ libre » et laissez vous faire Ils sont 5. 5 en mouvement sur un territoire sans frontière sans entrave. Libres de rêver, de divaguer, d’agir selon leur impulsion du moment. D’un moment aussi rafraichissant qu’un courant d’air sous la canicule. D’où viennent-ils ? D’ailleurs, où vont-ils? Nulle part et partout. Ils trimbalent d’improbables objets exhumés d’un tas de décombres quelconques Ils font et défont, bâtissent d’étonnantes architectures qu’un souffle d’air emporte. Ils racontent de lointaines histoires, mystérieuses, obscures ou éclairantes. Ils parlent parfois une langue qu’eux mêmes ne comprennent pas. Avec passion, avec application. Ils peuvent changer d’humeur d’un moment à l’autre. Légers, étrangers. Ils forment une confrérie étroite, avec ses codes, ses points de repères, son langage propre. Ils s’unissent parfois en chœurs vocaux éphémères. Mais puissants. Ils ne cherchent pas à construire un édifice fait pour durer. Ils ne veulent pas durer. Ils passent. Libres. Vivants. Grimpez sur leur radeau, sans boussole, sans rame, sans voile Le courant décidera …

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« Une femme à bicyclette. Une mouche alléchée par l’odeur du croissant au beurre. Collision. Déglutition. Ingestion. Le voyage d’une drosophile dans le corps d’une femme. L’histoire d’une femme face aux médecins, à des symptômes incompréhensibles, à sa solitude. Les trois interprètes se partagent le jeu en scène et la manipulation d’illustrations aux rétroprojecteurs. C’est à partir de leurs vécus, d’histoires et de témoignages que ce récit s’invente. Une écriture mêlant situations dramatiques, réalités biologiques et onirisme décalé. »

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« En écoutant de près les nouvelles voix qui mettent en avant la nécessité d'entretenir des relations inexplorées avec le vivant, le Groupe Wanda a voulu porter un récit nouveau sur scène. Croire aux Fauves de Nastassja Martin n'est pas seulement le récit intense de reconstruction d'une femme survivant à l'attaque d'un ours sur les volcans du Kamtchatka, c'est aussi un texte lumineux et pénétrant qui a le pouvoir de recomposer les mondes... Il réunit le monde réel, limité et visible avec les mondes opaques, cachés, méconnus et nous enseigne une forme de sagesse. Nous sommes attachées à l'idée de représentation comme acte collectif, nous croyons fort en ce rituel de société, en l'immensité qui s'y déploie, à l'imaginaire des acteurices et des spectateurices travaillant ensemble au même instant, comme un petit miracle, pour écrire une histoire commune différente. »

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« « SO SLOW » vous invite à une expérience participative autour de la danse slow dans un lieu refuge propice à retrouver de la chaleur humaine, ralentir et entrer en résonance les uns avec les autres. »

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« SCHLASS est un défi, une provocation, une joyeuse mutinerie qui interroge son public sur la notion de consentement, le droit à la désobéissance et à l'anticonformisme. »

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« Ana Pi mène une recherche poétique et politique sur Haïti, les gestes sacrés ancestraux et leur perpétuation dans l’imaginaire aujourd’hui. THE DIVINE CYPHER est un temps de dialogue fantasmagorique avec la cinéaste expérimentale Maya Deren. »

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« Un exutoire physique et mental qui nous fait nous sentir vivant·es. La rencontre des corps y est omniprésente, et très vite l’individu devient groupé. Jongler entre le singulier et le collectif, chercher le déploiement d’un corps et d’un langage commun. »

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« Une journée et une soirée au format singulier (en 3 temps, 3 performances), au RING et en partenariat avec le NEUFNEUF Festival, SUPERNOVA fait un pas de côté et invite trois artistes qui utilisent la forme performative pour augmenter (ou pour déplacer) leur recherche formelle et artistique. Où il sera question de la parole, du corps, de la musique, et de la manière de les faire se croiser et se mêler pour bousculer les frontières, pour imaginer de nouveaux langages, ouvrir des espaces alternatifs et élargir nos horizons. »

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« Dans cette élégie dansée, tissée d’instants suspendus dans lesquelles l’amour et la mort agissent en toile de fond, c'est à la fois la palette iconographique et musical de Raimund Hoghe et la kinesthésie habitée de l’imaginaire d'Emmanuel Eggermont qui s'expriment. De la fantaisie d’un faune fantasmé à la fougue syncopée d’une Joséphine Baker, il multiplie les évocations comme autant d’accès offerts au public, notamment à celles et ceux qui découvrent cet univers pour la première fois. »

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« Pour THIS IS LA MORT, Zoé Lakhnati se lance dans une exploration des imaginaires et des gestes liés aux corps en train d’agoniser. Ce solo se découvre comme un « glitch » où des figures se juxtaposent et transforme le corps dansant pour se demander comment ces représentations nous accompagnent. »

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« Dans cette élégie dansée, tissée d’instants suspendus dans lesquelles l’amour et la mort agissent en toile de fond, c'est à la fois la palette iconographique et musical de Raimund Hoghe et la kinesthésie habitée de l’imaginaire d'Emmanuel Eggermont qui s'expriment. De la fantaisie d’un faune fantasmé à la fougue syncopée d’une Joséphine Baker, il multiplie les évocations comme autant d’accès offerts au public, notamment à celles et ceux qui découvrent cet univers pour la première fois. »

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« Pour THIS IS LA MORT, Zoé Lakhnati se lance dans une exploration des imaginaires et des gestes liés aux corps en train d’agoniser. Ce solo se découvre comme un « glitch » où des figures se juxtaposent et transforme le corps dansant pour se demander comment ces représentations nous accompagnent. »

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« MOVING CELLIST est un concert chorégraphique, une création collaborative de la violoncelliste/compositrice Tanja Orning et de la chorégraphe/metteuse en scène Gunhild Bjørnsgaard, produite par la Compagnie B. Valiente. Le concert est un amalgame de son, de mouvement, de physicalité de l'instrument, du corps, de l'acoustique et de la spatialité. Nous nous sommes efforcées de repousser les limites physiques de ce qu'une violoncelliste peut faire dans le dialogue entre « le son issu du mouvement » et « le mouvement issu du son.» »

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« Hairy est une pièce pour 4 interprètes et leurs cheveux. Ils sont l’une des rares parties du corps qu’on ne peut pas bouger volontairement. La danse, en revanche, peut être considérée comme un art du contrôle. Comment contrôler l’incontrôlable ? »

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« En partant de la figure tutélaire de John CAGE, la fulgurante pianiste (et mathématicienne) Laura FARRÉ ROZADA tisse une trajectoire où le piano confronte une stupéfiante virtuosité aux mondes de l’électronique et de la vidéo. La compositrice Anna THORVALDSDOTTIR transforme le piano en corps sonore aux multiples résonances, les Études de Bertrand DUBEDOUT évoquent la tradition basque de Txalaparta tandis que Nicole LIZÉE nous plonge dans une référence glitchée à trois films emblématiques d’Alfred HITCHCOCK : Psycho, L’homme qui en savait trop et Les oiseaux. Pierre JODLOWSKI enfin regarde du côté de Jean GIONO et de l’univers du polar et de ses déclinaisons cinématographiques pour concevoir les trames de SÉRIE BLANCHE et SÉRIE NOIRE, deux œuvres d’un vaste cycle consacré au piano et à l’électronique.»

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Concert acousmatique Autour d’un portrait de la compositrice Christine GROULT, invitée d’honneur de ByPass #10, parcourant plus de trente années de sa vie de créatrice, de celui de la jeune compositrice Élise BONIFAS avec trois œuvres dont deux en création, et de celui de la classe de composition électroacoustique de Guillaume HERMEN au Conservatoire de Toulouse, nous rendrons hommage à deux figures majeures de la création musicale disparues en 2023 : l’immense compositrice finlandaise Kaija SAARIAHO et le compositeur Francis DHOMONT, l’un des pionniers de la musique acousmatique.

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« VAUDEVILLE est un projet inité par le compositeur Christophe Ruetsch et le dessinateur Vincent Fortemps. Ils ont fait appel au metteur en scène et scénographe Christophe Bergon et ont entamé à trois un processus de travail pensé comme une forme performance soumise au grès de leurs retrouvailles et de leur désir de travailler « sur le vif ». Un « laboratoire spectacle » capable d’accueillir les transformations qui traversent les sociétés tout autant que leurs propres pensées, désirs et pratiques. Après un premier opus avant Covid à RAMDAM-Un Centre d’Art, il créent en 2022 une version augmentée par la présence du contre ténor et performeur Loïc Varanguien de Villepin au Théâtre Garonne à Toulouse, puis au Festival Aujourd’hui Musique à Perpignan. Ils poursuivent cette année cette aventure partagée pour un nouvel opus, toujours plus performatif sauvage, impur et vivace. »

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« Ce qui nous motive à créer ENTRE c'est la confrontation par laquelle le corps humain passe pendant une situation de détachement. Plus précisément, nous nous sommes penchés sur la signification du mot despedida, "au-revoir" en portugais. Comment réagissent les corps face à la perte, à la sensation de vide. Parfois avec désespoir, mais d'autres fois avec la légèreté d'une libération profonde, de la liberté. La despedida est, dans ENTRE, une source de mobilisation. ENTRE est aussi un lieu, espace physique et immersif, qui invite les spectateur.ice.s à interagir activement avec une exposition et une performance circassienne. Cette corrélation est aussi exprimée par la thématique et la conception scénographique, qui sont la genèse du projet. Ainsi les "au-revoirs" se font voir de très près, dans un antre de 10m x 12m. Faire vivre la perte d'un point de vue intime, ayant en considération que c'est une thématique personnelle mais aussi universelle et anachronique. »

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